展览：

「艺术北京2006」，北京，2006
「抽象中国联展」，大未来画廊，北京，2007年7月14日至8月31日「王怀庆艺术展」，上海美术馆，上海，展期自2007年12月4日至12月12日
「天工开物：王怀庆艺术展」，广东美术馆，广州，展期自2008年1月30日至2月24日
「王怀庆画展」，国立历史博物馆，台北，展期自2008年2月22日至3月26日

图录：

《天工开物︰王怀庆》，上海美术馆展览目录，大未来画廊，台北，2007，彩色图版，页156-157与页194
《王怀庆画展》目录，国立历史博物馆，台北，2008年2月，彩色图版，页82-85与页103

王怀庆出生于北京、成长于北京，12岁进入中央美术学院附中开始，自此一路就读美术学院的初中、高中，再以优异成绩考入中央工艺美术学院，后来取得中央工艺美术学院硕士学位，全数在北京这座天子脚下的历史古城完成，艺术创作的资历超过半世纪之久。从年少时期起，就曾分别以绘画、木刻版画入选印度、苏联儿童画展的奖项或展出。1980在北京中国美术馆的「同代人油画展」中王怀庆展出八幅画作，受到美国《华尔街日报》及法国《当代》杂志的好评。其中的《伯乐相马》、《枣树》为中国美术馆典藏，在中国画坛崭露头角。

他生平首次个人画展在纽约，1987那年他正在俄克拉荷马大学担任客座艺术家，全家在美国生活两年。尔后在1990年代开始，每隔一段时间在新加坡、台湾、澳门、香港各地，举办过多次的个人画展，期间在法国、日本、德国也有作品参展，闻名海外。1998年旅美策展人沈揆一策划的纽约古根汉美术馆「中国艺术五千年」展览，王怀庆那充满现代抽象形式的《夜宴图I》，与北京故宫珍藏的五代时期顾闳中真迹《韩熙载夜宴图》比邻展出，古典美学有崭新的诠释，王怀庆的艺术得以藉纽约大放异彩，为人津津乐道。

王怀庆2007年上海美术馆展览

2007年上海美术馆举办「王怀庆艺术展」，这次是63岁的王怀庆首度在中国内地的个人发表，来年又巡回至广东美术馆展出。令人费解的是，他是北京画院一级画师，也是中国美术家协会成员，中国油画学会理事。为何至今迟迟不曾在故乡北京举办过个展？仅零星地在集体的油画年展、博览会露面，北京的艺术机构何其多、人文风气也盛，难道他的绘画不见容于北京艺术界，或者近乡情却，宁可在外发光发热，韬光养晦于北京胡同之内？

长年生活在历史古都的王怀庆，一生的创作几乎与「历史文化」的主题切割不开，从1980年援引春秋时期伯乐相马的典故开始，到惊艳于江南老屋、明式家具，再造魏晋南北朝的《夜宴图》，明朝《天工开物》的启发，古玉、八宝，一直到近几年取材宗教艺术的《飞天》、《如意》等绘画创作，无不显示艺术家对于民族传统文化无法割舍的依恋。如此醉心于旧文化、老家俬的研究，在过往处处可见古迹的北京，确实显得异类，和主流艺术有所偏离。加以他偏爱抽象的结构形式，在中国当代艺坛风行写实风格、艳俗波普之际，他的绘画之路走来行只影单，这大概是何以他的艺术要从海外寻找知音吧。

城市在现代化过程中，文化却因而产生断层危机，人们拆除了老胡同，老屋内的家俬也散佚，老祖宗曾追寻过的情感与趣味，随时间灰飞湮灭。王怀庆不断流连于北京古家具集散地，寻觅这些曾经繁华的历史。每次他总要带回一二样物件，木雕的窗花、陶瓷古瓶老罐、桌椅零件等。在王怀庆的眼中，历经辉煌盛世的家具如今没有了家，那些古文物没有附着，没有归宿，王怀庆称它们为「文化弃儿」。他说道：「这些没有家的家具，可是你仔细看它的时候，它的局部，它的姿势，它的肢体，细读的时候你能看到往日的一种高贵和辉煌，可是它的灵魂已经不知道如何承接。」（节录自中央电视台《艺术品投资》节目〈油画人物志：王怀庆—寻找故园〉主题，2007年7月24日访文）面对沧海桑田的无奈时，画家不免会透过他的画笔，身体力行重新找回高贵及辉煌。王怀庆寄怀被淡忘的人文精神，寻找延续文化传承的可能性，因此历史文化的题材一直盘据王怀庆的灵思。

就绘画形式而言，从1980年代中期开始，黑与白即为王怀庆创作时的主要色彩，令人联想起他的老师吴冠中的影响。从江南古建筑中的粉墙黛瓦，以及传统书法的结构，他发现黑与白的单纯与力度。黑与白，乃是中国绘画传承里最重要的色彩，是老祖先流传已久的情趣。黑色，更是超越颜色的层次，召唤出中国传统艺术里的内在联系。吴冠中从黑白引渡到抽象画的构成，启发王怀庆同样选择黑与白的虚实对应。他刻意将描写的家具黑色化，改变其生活器物的本色，转化为艺术的形式，也显示个人对文化渊源的追溯与连结。王怀庆善于处理画面肌理，在黑白之间，是斑斑驳驳的空间，象征了历史的妆痕，丰富了绘画的表情。

王怀庆在经营布局时带有书法的意识，早期作品家具零件形如篆体、有碑帖的斧凿形式趣味；近期构图可见横、撇、竖、捺的生动丰富的笔势，呈现抽象表现的精神。艺评家王嘉骥曾写道：「王怀庆对于书法性的形式语法所展现的高度兴趣，尤其可以直接从他2004年以来的作品看出。不但如此，他还从原来结构性较强的软性几何风格，转变为书写性较强的表现主义作风。最明显的例子，譬如《高山流水》（2004-2005）、《天工开物（三）》（2004）、《福在其中》（2005）、《飞天》（2006）等等。」

本次的拍品《飞天》即为强烈的抽象表现风格的代表作，采三联幅形制，宛如宗教圣坛画予人宏伟之感。飞天，一词出自佛教的典故。佛教从印度传到中国之后，结合道家的影响，融合为中国文化的一环，于是飞天成为东方的飞仙、天女。飞天，也是敦煌艺术中最美的形象。宗教艺术之于中华文化，有其重要历史典故与文化背景。飞天作为艺术的形象，她是多元文化的复合体，从印度、西域乃至中原，飞天都是美的象征。

歌舞香花，彩带琴音，自由翱翔，飞天在历史传承中早已是至美的化身，同时也是自由与幸福的追求。当王怀庆在诠释这个优雅的题材时，刻意增加了白色的比重，凸显飞翔中的轻盈感。主体以阔笔横刷，充满速度感，一道道的黑色笔痕，如霓裳彩带，暗示飞仙翱翔的流畅。有些黑色的笔触，还以涂黑的实木碎片、窗花拼贴，增添画面的层次空间，给予观者新的视觉感受。留白处则保有画家向来擅长的丰富肌理处理，斑驳、皴染、烘托，产生如历史遗迹、壁画般的质感。

《飞天》三联幅如行云流水般流畅，带有东方的情怀，也具抽象表现的形式。然而，隐藏在黑色笔触中崩解的家俬，断裂的窗花剪纸，何尝不是艺术家对经典文化的追寻与喟叹呢？苏东坡有言：「寄浮游于天地，渺沧海之一粟，哀吾生之须臾，羡长江之无穷；挟飞仙以遨游，抱明月而长终。」艺术家近年的审美思考，融入更多的禅意哲思，效法古人的自在胸怀，企求心灵得以同飞仙逍遥翱翔。