展覽：

「藝術北京2006」，北京，2006
「抽象中國聯展」，大未來畫廊，北京，2007年7月14日至8月31日「王懷慶藝術展」，上海美術館，上海，展期自2007年12月4日至12月12日
「天工開物：王懷慶藝術展」，廣東美術館，廣州，展期自2008年1月30日至2月24日
「王懷慶畫展」，國立歷史博物館，台北，展期自2008年2月22日至3月26日

圖錄：

《天工開物︰王懷慶》，上海美術館展覽目錄，大未來畫廊，台北，2007，彩色圖版，頁156-157與頁194《王懷慶畫展》目錄，國立歷史博物館，台北，2008年2月，彩色圖版，頁82-85與頁103

王懷慶出生於北京、成長於北京，12歲進入中央美術學院附中開始，自此一路就讀美術學院的初中、高中，再以優異成績考入中央工藝美術學院，後來取得中央工藝美術學院碩士學位，全數在北京這座天子腳下的歷史古城完成，藝術創作的資歷超過半世紀之久。從年少時期起，就曾分別以繪畫、木刻版畫入選印度、蘇聯兒童畫展的獎項或展出。1980在北京中國美術館的「同代人油畫展」中王懷慶展出八幅畫作，受到美國《華爾街日報》及法國《當代》雜誌的好評。其中的《伯樂相馬》、《棗樹》為中國美術館典藏，在中國畫壇嶄露頭角。

他生平首次個人畫展在紐約，1987那年他正在奧克拉荷馬大學擔任客座藝術家，全家在美國生活兩年。爾後在1990年代開始，每隔一段時間在新加坡、台灣、澳門、香港各地，舉辦過多次的個人畫展，期間在法國、日本、德國也有作品參展，聞名海外。1998年旅美策展人沈揆一策劃的紐約古根漢美術館「中國藝術五千年」展覽，王懷慶那充滿現代抽象形式的《夜宴圖I》，與北京故宮珍藏的五代時期顧閎中真蹟《韓熙載夜宴圖》比鄰展出，古典美學有嶄新的詮釋，王懷慶的藝術得以藉紐約大放異彩，為人津津樂道。

王懷慶2007年上海美術館展覽

2007年上海美術館舉辦「王懷慶藝術展」，這次是63歲的王懷慶首度在中國內地的個人發表，隔年又巡迴至廣東美術館展出。令人費解的是，他是北京畫院一級畫師，也是中國美術家協會成員，中國油畫學會理事。為何至今遲遲不曾在故鄉北京舉辦過個展？僅零星地在集體的油畫年展、博覽會露面，北京的藝術機構何其多、人文風氣也盛，難道他的繪畫不見容於北京藝術界，或者近鄉情卻，寧可在外發光發熱，韜光養晦於北京胡同之內？

長年生活在歷史古都的王懷慶，一生的創作幾乎與「歷史文化」的主題切割不開，從1980年援引春秋時期伯樂相馬的典故開始，到驚艷於江南老屋、明式傢具，再造魏晉南北朝的《夜宴圖》，明朝《天工開物》的啟發，古玉、八寶，一直到近幾年取材宗教藝術的《飛天》、《如意》等繪畫創作，無不顯示藝術家對於民族傳統文化無法割捨的依戀。如此醉心於舊文化、老傢俬的研究，在過往處處可見古蹟的北京，確實顯得異類，和主流藝術有所偏離。加以他偏愛抽象的結構形式，在中國當代藝壇風行寫實風格、艷俗波普之際，他的繪畫之路走來行隻影單，這大概是何以他的藝術要從海外尋找知音吧。

城市在現代化過程中，文化卻因而產生斷層危機，人們拆除了老胡同，老屋內的傢俬也散佚，老祖宗曾追尋過的情感與趣味，隨時間灰飛湮滅。王懷慶不斷流連於北京古傢具集散地，尋覓這些曾經繁華的歷史。每次他總要帶回一二樣物件，木雕的窗花、陶瓷古瓶老罐、桌椅零件等。在王懷慶的眼中，歷經輝煌盛世的傢具如今沒有了家，那些古文物沒有附著，沒有歸宿，王懷慶稱它們為「文化棄兒」。他說道：「這些沒有家的傢具，可是你仔細看它的時候，它的局部，它的姿勢，它的肢體，細讀的時候你能看到往日的一種高貴和輝煌，可是它的靈魂已經不知道如何承接。」（節錄自中央電視台《藝術品投資》節目〈油畫人物誌：王懷慶—尋找故園〉主題，2007年7月24日訪文）面對滄海桑田的無奈時，畫家不免會透過他的畫筆，身體力行重新找回高貴及輝煌。王懷慶寄懷被淡忘的人文精神，尋找延續文化傳承的可能性，因此歷史文化的題材一直盤據王懷慶的靈思。

就繪畫形式而言，從1980年代中期開始，黑與白即為王懷慶創作時的主要色彩，令人聯想起他的老師吳冠中的影響。從江南古建築中的粉牆黛瓦，以及傳統書法的結構，他發現黑與白的單純與力度。黑與白，乃是中國繪畫傳承裡最重要的色彩，是老祖先流傳已久的情趣。黑色，更是超越顏色的層次，召喚出中國傳統藝術裡的內在聯繫。吳冠中從黑白引渡到抽象畫的構成，啟發王懷慶同樣選擇黑與白的虛實對應。他刻意將描寫的傢俱黑色化，改變其生活器物的本色，轉化為藝術的形式，也顯示個人對文化淵源的追溯與連結。王懷慶善於處理畫面肌理，在黑白之間，是斑斑駁駁的空間，象徵了歷史的妝痕，豐富了繪畫的表情。

王懷慶在經營佈局時帶有書法的意識，早期作品傢具零件形如篆體、有碑帖的斧鑿形式趣味；近期構圖可見橫、撇、豎、捺的生動豐富的筆勢，呈現抽象表現的精神。藝評家王嘉驥曾寫道：「王懷慶對於書法性的形式語法所展現的高度興趣，尤其可以直接從他2004年以來的作品看出。不但如此，他還從原來結構性較強的軟性幾何風格，轉變為書寫性較強的表現主義作風。最明顯的例子，譬如《高山流水》（2004-2005）、《天工開物（三）》（2004）、《福在其中》（2005）、《飛天》（2006）等等。」

本次的拍品《飛天》即為強烈的抽象表現風格的代表作，採三聯幅形制，宛如宗教聖壇畫予人宏偉之感。飛天，一詞出自佛教的典故。佛教從印度傳到中國之後，結合道家的影響，融合為中國文化的一環，於是飛天成為東方的飛仙、天女。飛天，也是敦煌藝術中最美的形象。宗教藝術之於中華文化，有其重要歷史典故與文化背景。飛天作為藝術的形象，她是多元文化的複合體，從印度、西域乃至中原，飛天都是美的象徵。

歌舞香花，彩帶琴音，自由翱翔，飛天在歷史傳承中早已是至美的化身，同時也是自由與幸福的追求。當王懷慶在詮釋這個優雅的題材時，刻意增加了白色的比重，凸顯飛翔中的輕盈感。主體以闊筆橫刷，充滿速度感，一道道的黑色筆痕，如霓裳彩帶，暗示飛仙翱翔的流暢。有些黑色的筆觸，還以塗黑的實木碎片、窗花拼貼，增添畫面的層次空間，給予觀者新的視覺感受。留白處則保有畫家向來擅長的豐富肌理處理，斑駁、皴染、烘托，產生如歷史遺跡、壁畫般的質感。

《飛天》三聯幅如行雲流水般流暢，帶有東方的情懷，也具抽象表現的形式。然而，隱藏在黑色筆觸中崩解的傢俬，斷裂的窗花剪紙，何嘗不是藝術家對經典文化的追尋與喟嘆呢？蘇東坡有言：「寄浮游於天地，渺滄海之一粟，哀吾生之須臾，羨長江之無窮；挾飛仙以遨遊，抱明月而長終。」藝術家近年的審美思考，融入更多的禪意哲思，效法古人的自在胸懷，企求心靈得以同飛仙逍遙翱翔。